Le Japonais passe pour le plus fervent amoureux d’insectes au monde. Et ses préférés sont précisément les libellules, les lucioles éclairant les nuits d’été et les grillons sonorisant puissamment les belles nuits d’automne. source web-japan
Depuis les temps anciens du Japon, la libellule, connue sous le nom d’akitsu, a revêtu une signification profonde et variée. L’histoire et la mythologie japonaises regorgent d’anecdotes et de références à cet élégant insecte, qui va bien au-delà de sa simple apparence. Plongeons dans le monde de la libellule et explorons ses multiples facettes culturelles et symboliques.
Entre la lune qui se lève et le soleil qui se couche, les rouges libellules Nikyû
La Libellule : Un Spectacle de Variété
Le monde des libellules est incroyablement riche, avec plus de 200 variétés recensées au Japon. Une expression curieuse dans la langue japonaise au Xe siècle tonbo ton, décompose le mot tonbo, qui signifie libellule, en deux parties : tobu, voler, et bô, grand bâton. Cette expression évoque la caractéristique distincte des libellules : leur vol gracieux et leur abdomen semblable à un long bâton.
Elle a teint son corps d’automne, la libellule !
Bakusui
Racines Profondes dans la Mythologie Japonaise
Dans les pages du Nihon Shoki, les Annales du Japon, achevées en 720, une narration fascinante apparaît. On raconte que l’empereur Jimu, fondateur légendaire du Japon, aurait contemplé ses terres depuis une petite montagne du Yamato, située dans l’ancienne province de Honshû, la plus grande île de l’archipel. En admirant le panorama, il aurait déclaré : « Mon pays a la forme de deux akitsu accolés. » Ainsi, l’ancien nom du Japon aurait émergé : Akitsu-shima, signifiant « île aux libellules ».
Au-delà du Ciel : Symbolisme dans la Culture Japonaise
Les libellules ont laissé leur empreinte non seulement dans la mythologie, mais aussi dans la culture quotidienne japonaise. Les dôtaku, des cloches cérémonielles en bronze fondues aux IIe et IIIe siècles, étaient associées à des vœux de bonnes récoltes, car les libellules se nourrissent de prédateurs de riz.
On considérait également la libellule comme l’« insecte de la victoire » kachi-mushi, car elle vole uniquement vers l’avant, un symbole de chance et de persévérance. Les samouraïs ornaient leurs armures et leurs casques de libellules pour incarner cette idée de progression constante. Par ailleurs, la coiffure nouée des jeunes samouraïs, appelée yanma, est inspirée de la forme d’une grande libellule.
L’Élégance dans la Littérature et l’ART, Un Écho à Travers les Époques et les frontieres
La libellule a également laissé sa marque dans le domaine de la littérature et de l’art.
Dans le Man’yoshu, la première anthologie de poèmes compilée au VIIIe siècle, la libellule est comparée à des manches de kimono, symbole des sentiments humains. Le Kagerô Nikki, le Journal d’une Éphémère, rédigé en 974 par une femme issue du clan Fujiwara, reflète la fragilité de la vie humaine en se comparant à la brève existence d’une libellule, tout ici bas est fragile et fugitif.
Les objets du quotidien, tels que les kimonos, les tissus, les éventails, les peignes, les boîtes en laque, le nécessaire à thé… sont ornés de motifs de libellules.
L’ukiyo-e, estampes du XIXe siècle, a également capturé la grâce de la libellule.
Au soleil du soir l’ombre légère des ailes de la libellule Karô
L’influence de la libellule a transcendé les frontières géographiques et temporelles.
En Occident, l’Art Nouveau a embrassé ce symbole avec plusieurs artistes, par exemple :
Edouard Manet a choisi la libellule pour illustrer une poésie de Charles Cros en 1874 ;
Emile Gallé a décoré ses vases tant admirés par les symbolistes, ils s’était inspiré des de livres de botanique et de zoologie japonais ;
Un livre de 87 poèmes japonais « Poèmes de la libellule » illustrés par Yamato a été publié en France en 1885 par Judith la fille de Théophile Gautier. La libellule a inspiré des poèmes et des illustrations, et a tissé des liens entre différentes cultures artistiques.
En somme, la libellule a survolé les siècles, portant avec elle des significations variées et profondes à travers la culture japonaise et au-delà. Son héritage reste vivant, un rappel constant de la fragilité de la vie, de la persévérance et de la beauté éphémère qui éclot dans les coins les plus inattendus de notre monde.
Depuis les temps les plus anciens, les Japonais portent un intérêt particulier aux insectes.
Plus proche de nous, en 2016, une équipe de recherche médicale menée par le Professeur Koichi Tsunoda, indiquait que les Japonais entendent les sons de la nature avec la partie gauche du cerveau, celle qui décrypte le langage, alors que les Occidentaux les réceptionnent avec la partie droite, ce qui les associe à du bruit. extrait Magazine Tempura N°3
Le début de l’été annonce l’apparition des lucioles. Ces « astres tombés du ciel » ont toujours subjugué les nippons. Nous allons comprendre pourquoi !
UNE LUCIOLE ! C’EST QUOI ?
La luciole est un coléoptère de la famille des lampyres « vers luisants ». Nelly Delay, dans son magnifique livre Bestiaire japonais, révèle comment ces diodes luminescentes produisent leur lumière naturelle « mystique » :
Lorsqu’une luciole détecte la hausse des températures, son organisme réagit en détournant une partie de l’oxygène inhalé vers un organe de son abdomen, qui émet des photos , lesquels produisent de l’énergie, et donc de la lumière ? Celle-ci sert aux lucioles à se protéger de certains prédateurs, tout en aidant les mâles et les femelles d’une même espèce à se reconnaître en période de reproduction.
Dans le roman Hotaru d’Aki Shimazaki, lorsqu’une petite-fille demande à son Ojîchan grand-père pourquoi les lucioles émettent de la lumière, il répond : « pour attirer les femelles ». Les femelles sont des vers luisants qui ne volent pas, mais échangent des messages amoureux avec les mâles en clignotant. Seul moyen de se retrouver dans les ténèbres et pouvoir se reproduire.
TYPE DE LUCIOLES
L’archipel nippon est le lieu de vie idéal pour les lucioles aquatiques dont les plus populaires sont Genji-hotaru « Minamoto » d’eau courante et Heike-hotaru « Taira » de rizières et d’eaux stagnantes.
LES LUCIOLES A TRAVERS LES ÉPOQUES
NARA (710 – 794)
Le lucioles sont révélées pour la première fois dans le Man’yoshu première anthologie de poésie japonaise waka (4516 poèmes, 20 volumes).
En été, j’aime la nuit, bien entendu quand la nuit brille, mais j’aime aussi la nuit obscure, quand les lucioles s’entrecroisent dans leur vol ou même quand la pluie tombe.
EDO (1600-1868)
Les estampes ukiyo-etémoignent de cette époque où la chasse aux lucioles prend un essor désastreux. Un gagne pain pour les marchands de rue botefuri qui vendent ces minuscules luminaires destinés à produire une ambiance nocturne féérique dans les auberges ryokan, les restaurants et les fêtes privées.
A chaque luciole dans les arbres sa propre lumière – Auberge fleurie Bashô
La chasse s’effectue la nuit avec des éventails, des balais en bambou et des filets à papillons, car une fois arrêtées dans leur vol, les lucioles peinent à remettre leurs ailes en mouvement. Par la suite, on les enferme dans des cages tressées en bambou.
Au lieu d’une luciole J’ai saisi les épines de ronce – Quelle folie dans la nuit !
Bashô
ÉPOQUE CONTEMPORAINE (1945 – )
La chasse est interdite car les lucioles sont en voie de disparition à cause de l’essor urbain, la pollution lumineuse et les pesticides.
En 1924, le Gouvernement décréta tout le district de Moriyama, dans la Préfecture de Shiga, “Habitat protégé des lucioles genji”. Aujourd’hui, un habitat figure sur la liste des Monuments Naturels Spéciaux et neuf sur celle des Monuments Naturels. Le Japon est sans doute le seul pays au monde à avoir promulgué des arrêtés ministériels pour la protection des lucioles. source web-japan
Ah, rusées lucioles ! Poursuivies, elles se cachent Dans le clair de lune Bashô
A qui la poursuit La luciole offre sa lumière ! Otomo Oemaru
Sur ma manche Elle reprend son souffle – la luciole en fuite Kobayashi Issa
CROYANCES
Les lucioles sont une manifestation de l’âme des défunts.
D’après la légende, ces lucioles sont les fantômes des vieux guerriers Minamoto et Taira : même sous la forme d’insectes, ils se souviennent de l’effroyable lutte de leurs clans au XIIe siècle, et tous les ans, la vingtième nuit du quatrième mois, ils se livrent une grande bataille sur le fleuve Uji. C’est pourquoi, il est de règle, ce soir-là, de mettre en liberté toutes les lucioles que l’on gardait en cage, afin de leur mettre de prendre part à l’engagement. extrait Insectes Lafcadio Hearn
Un film d’animation célèbre est Le tombeau des lucioles d’Isao Takahata 1988 adapté d’une nouvelle autobiographique de l’écrivain Akiyuki Nosaka qui raconte la tentative de survivre de deux enfants durant l’été 1945 suite au bombardement de Kôbe.
CONTEMPLATION
Aujourd’hui encore, on contemple les lucioles pour méditer sur les mystères de la nature ou à l’école pour s’instruire. On passe la nuit dans les barques hotaru-bune pour observer le ballet des lucioles hotaru-kassen. qui se répandent comme une voie lactée amanogawa littéralement « fleuve du ciel ».
Comme ces insectes sont sereins, eux qui vivent à peine deux semaines ! Au milieu de l’obscurité, des lignes disparates, en arabesque, en dents de scie, rondes ou ovales, toutes sortes de formes lumineuses voltigent avec grâce. extrait Inaba Mayumi , La péninsule aux 24 saisons
Est-ce une rivière? ou bien la nuit elle-même qui passe en flottant ? Oh, les lucioles ! Chiyo de Kaga
Le grand poète Bashô (1644-1694) fait l’éloge de Seta et Uji, localités près de Kyoto, réputées pour les admirer les nuées d’étincelles :
Admiration de lucioles à Seta Admiration de lucioles – Instable le batelier ivre Bashô
Projetant de voyager le long de la route de Kiso, j’ai séjourné à Ôtsu. Je suis allé en priorité à Seta pour voir les lucioles Je veux comparer ces lucioles aux lunes des rizières en terrasse Bashô
On prête aux fleurs « non seulement une beauté personnelle, mais des qualités, des mouvements d’humeur, un caractère complet, une âme, minuscule reflet de la grande âme de la nature. […] Le Livre des Fleurs de Georges Ohsawa
Au milieu de mai, grâce aux rayons de soleil et aux torrents de pluie, la nature resplendit, parée de verts et bigarrée de couleurs. Aux teintes variées de roses, des fleurs de pruniers, de pêchers et de cerisiers, succèdent les arbustes fleuris et multicolores : les azalées, les pivoines, les glycines puis, début juin, les hortensias.
Je vous emmène au Japon pour admirer l’harmonie des couleurs et l’élégance des formes des massifs de fleurs de quelques jardins d’exception !
LES COULEURS ET LEURS SYMBOLIQUES
Au début, au milieu et à la fin de la saison, si nous ouvrons nos capteurs sensoriels, nous prenons conscience des micro-changements qui se relaient dans la nature pour annoncer l’avènement de la nouvelle saison. Les Japonais parlent d’ailleurs de soixante-douze saisons. Sensibles aux changements de saison, ils ont toujours manifesté un intérêt profond, voire une obsession, pour le fait d’apprendre le secret de la nature en observant minutieusement ses « états » révélateurs, dont les couleurs. extrait Sumiko Oé-Gottini Sensation Soustraction MNAAG
En japonais, le mot couleur (« iro ») a une origine bien particulière. L’idéogramme chinois est fait de deux signes : un humain qui en chevauche un autre pour n’en faire qu’un. Oui, « faire l’amour », telle serait la provenance du mot « couleur » au Japon.
Au mois de mai et début juin, le rouge et le violet prédominent. Mais, quelle est leur symbolique ?
Rouge
La première laque arrivée au Japon à l’époque Jômon (13000-400 av J.C.) était rouge, considérée sacrée puisqu’elle est la couleur du soleil représentée par la déesse Amaterasu, la plus importante divinité shintoïste. Mais encore :
A l’époque de Nara, durant le règne de l’Impératrice Suiko (592-628), le violet était la couleur la plus noble. Il était impossible de la porter à la Cour sans recevoir son autorisation ! Cette couleur, murasaki en japonais, nous ramène à l’écrivaine Murasaki Shikibu auteure du chef-d’œuvre Le Dit de Genji I Genji monogatari de l’ère Heian (794-1185).
LES MASSIFS DE FLEURS
AZALEE I TSUTSUJI
Il existe d’innombrable variétés d’azalées aux teintes vives ou pales. Elles apportent de la couleur à l’architecture traditionnelles en bois.
Sanctuaire shinto Nezu-jinja, au nord de Tokyo, est célèbre pour sa colline aux azalées.
Sur les rochers, des fleurs d’azalées rouges teintes par les larmes du coucou Bashô
Temple Shoden-ji, à Kyoto, créé par le jardiniste adepte du sen Kobori Enshû (1579-1647).David Bowie, aurait pleuré d’émotion.
L’originalité de ce jardin réside dans le fait que l’on a substitué aux pierres des buissons taillés : sur une couche de sable, des massifs d’azalées arrondis sont disposés par groupes de trois, cinq ou sept, selon un rythme aimé des Japonais qui découvrirent la musicalité de l’impair bien avant que Verlaine ne la chante 10. Le Shôdenji est en quelque sorte une version végétale du Ryôanji. Une autre particularité de ce jardin est qu’il inclut dans son champ le Mont Hieï, le plus haut des sommets qui dominent Kyoto. Le procédé consistant à intégrer le paysage extérieur à l’espace d’un jardin est appelé shakkeï(« emprunt du paysage ») et connut son apogée au XVIIe siècle. Plus tardif que le Ryôanji et le Daïsen.in, le Shôdenji montre comment évoluèrent les jardins Zen après l’âge d’or de l’époque Muromachi. extrait Berthier François. Les jardins japonais : principes d’aménagement et évolution historique. In: Extrême-Orient, Extrême-Occident, 2000, n°22. L’art des jardins dans les pays sinisés. Chine, Japon, Corée, Vietnam. pp. 73-92.
Dans une chaumière, une bonzesse seule et insensible – Azalées blanches Bashô
PIVOINE I BOTAN
Arrivée de Chine à la période Heian(794-1185) en tant que plante médicinale, la pivoine devient une fleur ornementale. Transformée, la pivoine japonaise est pleine de grâce.
Jardin Yûshien, sur Daikonshima, une petite île au milieu de la lagune Nakaumi
L’île de Daikonshima est née de l’éruption d’un volcan, la terre est noire, et c’est dans ces cendres que le ginseng et la pivoine arbustive trouvent leur bonheur.Hidehisa Inutani, directeur du jardin de Yuushien.
Sur cent lieu à la ronde les pivoines repoussent les nuages de pluie Busson
GLYCINE IFUJI
Les glycines sont mises en scènes de manière spectaculaires au Japon ! Les rameaux de 20 ou 30 mètres portent d’énormes grappes blanches violacées, une cascade de fleurs.
Voici la plus vieille glycine géante, âgée de +140 ans, transplantée pour lui permettre de continuer sa croissance dans le parc florale de la ville Ashikaga située au Nord de Tokyo.
En voyage au pays de Yamato Cherchant une auberge fatigué – Ah ces fleurs de glycine Bashô
HORTENSIA IAJISAI
A Kamakura (ancienne capitale 1185-1333), le temple Meigetsu-in de l’école bouddhiste Rinzai émerge d’un océan bleu d’hortensias.
Hortensias – Ce buisson est le petit jardin d’un salon privé Bashô
Pour en savoir plus sur les saisons et les couleurs, je vous invite à (re)découvrir mes articles :
Passant l’automne un papillon lèche la rosée des chrysanthèmes Bashô (1644-1694)
Les insectes, tout autant que les arbres, les fleurs, les oiseaux,…, apportent de la magie à nos vies scandées par les rythmes de saisons. Contrairement aux Occidentaux, les Japonais et les Grecs anciens ont toujours été sensibles aux insectes et à leurs chants.
Ce n’est pas seulement lorsqu’il est question d’insectes que les poètes grecs se rapprochent des Japonais : ils s’y apparentent par des milliers d’émotions infimes, concernant les dieux, le destin de l’homme, le plaisir que donnent les fêtes sacrées mais aussi ces chagrins inhérents à la vie que l’humanité partage depuis sa naissance. extrait Insectes Lafcadio Hearn, édition du Sonneur
En avril, émergent les premiers papillons. Gracieux, ils puisent leur énergie du soleil, sous la protection de la déesse Amaterasu, et se nourrissent du pollen des fleurs. Bien que leur vie soit éphémère, ils occupent une place significative dans la culture japonaise.
Parmi les fleurs écloses sur la haie un papillon volige ah ! l’envie d’être avec lui si éphémère Saigyô (1118-1190)
En solitaire, le papillon symbolise la longévité lorsqu’il vole au dessus d’un prunier, la joie ou un pressage heureux lorsqu’il entre par hasard dans une maison, mais aussi l’éclosion de la féminité. Pour cette raison, le papillon décore le kimono des jeunes filles le furisode « manche flottante », en tant que métaphore de la jeune fille qui déploie ses ailes pour devenir femme tandis que les manches longues jusqu’aux chevilles sont synonymes de pureté et d’innocence. De plus, pour maintenait le furisode, la ceinture obi à pans longs, peinte ou brodée, est largement nouée dans le dos en forme de papillon cho musubi. Leurs coiffures aussi portent le nom de papillon chocho mage : les cheveux sont partagés en quatre coques symétriques.
@ Suzuki Harunobu, Beauté sautant dans le vide depuis le balcon du temple Kiyomizu, 1765
Suivant les âges, l’inspiration du costume traditionnel féminin japonais changeait, mais elle trouvait toujours sa source dans la nature. De la petite fille, on faisait un papillon ou un oiseau tropical, aux couleurs vives, presque criardes, et comme rehaussées par le son des grelots cachés dans les semelles des socques (les pokkuri). […] De décennie en décennie, le charmant papillon des îles finissait par se muer en un moineau brun (parfois dès trente-cinq ans), puis en une mite grise – c’était le nom du style convenant à une vieille dame. extrait Les dames du Soleil Levant de Danielle Elisseeff
D’autre part, les papillons qui voltigent en couple, représentent le bonheur conjugal sur les kimonos lors d’un mariage. Et les décorations en papier en forme de papillon origami pour la cérémonie dénommées o-chô et mechô symbolisent l’union heureuse et éternelle.
La phalène est le symbole du rêve et de la vie insouciante. Certains jours de fête, la « danse du papillon » a une importante signification. Deux papillons sont les témoins symboliques des noces au Japon : accompagnateurs dansants sur le chemin de la vie, ils mènent le couple vers l’avenir à travers un merveilleux jardin fleuri. extrait Japonisme, WICHMANN Siegfried, Edité par Chêne/Hachette
En grand nombre, les papillons inspirent l’effroi, comme l’indique l’histoire du clan Taira (l’un des quatre clans qui dominèrent durant l’ère Heian, avec les Fujiwara, les Minamoto et les Tachibana, dont le blason mon était un papillon machaon de couleur jaune, noir et bleu appelé ageha-chō.
Papillon qui bat des ailes je suis comme toi – poussière d’être Issa (1763-1828)
Lorsque Taira-no-Masakado préparait en secret sa grande rébellion, une telle nouée s’abattait soudain sur Kyôto que les gens prirent peur, croyant qu’ils annonçaient une catastrophe… Ces insectes étaient-ils les âmes des milliers d’hommes destinés à mourir sur le champ de bataille, agitées à la veille de la guerre par quelque mystérieux pressentiments ? extrait Insectes Lafcadio Hearn, édition du Sonneur
Valsent les papillons – je parle avec les morts YokohamaHahkkô
<
Chô le papillon incarne à la perfection la capacité de se transformer et à renaître. De quoi séduire, dans le Japon médiéval, les samouraï qui voient dans cette figure virevoltante et fragile une invitation au combat et à la victoire, fut-ce au péril de leur vie et un moyen d’atteindre à l’immortalité. extrait Bestiaire japonais Nelly Delay & Dominique Ruspoli, Editeur A propos
RELIGION BOUDDHISTE
A ce titre, le bouddhisme considère que les phénomènes qui composent la personnalité d’une personne décédée pourront se réincarner sous des formes animales, végétales et minérales.
Couvert de papillons l’arbre mort est en fleurs Issa (1763-1828)
Le papillon est l’incarnation d’une âme défunte bienfaisante et protectrice ou l’âme d’une personne qui s’envole vers l’autre monde.
Sur l’œillet Un papillon blanc – ou une âme égarée Masaoka Shiki (1867-1902)
La plupart des légendes sont d’influence chinoise à part ce conte populaire : un homme inconsolable, dénommé Takahama, a veillé toute sa vie la tombe de sa bien-aimée Akiko jusqu’au jour où son âme l’a rejoint dans le royaume des morts sous forme la forme du papillon blanc.
Le Papillon bat des ailes comme s’il désespérait de ce monde Bashô (1644-1694)
Dans le bâtiment principale Daibutsu-den du temple Tôdai-ji à Nara, au pied du grand Bouddha en bronze de 14,98 m de hauteur, on remarque des fleurs de lotus et deux papillons…
LITTÉRATURE
Les poètes, les artistes et les danseuses ont souvent choisi un nom d’artiste geimyô de papillon : Chômu rêve de papillon, Ichô papillon solitaire. Il existe aussi des noms propres pour les filles Kochô ou Chô papillon… On sait aussi que le marchand d’armes britannique Glover épousa la fille d’un samouraï qui inspira le livret d’opéra de Puccini, Madame ButterflyChôchô san.
De passage dans un pavillon de thé, une femme appelée « Papillon » m’a demandée, en me donnant une pièce de soie blanche, de composer un hokku sur son nom. J’ai donc écrit :
Parfum d’orchidée – en sont imprégnées les ailes du papillon ! Bashô (1644-1694)
Dame Murasaki Shikibu intitula le chapitre 24 de son Dit du GenjiGenji Monogatari « Les Papillons », Kochō. Elle nous apprend l’existence de la danse des papillons Kochô mai exécutée lors des festivités de printemps au palais de l’Impératrice par des filles déguisées en papillon et oiseaux.
Pour les intentions de la dame au printemps, il fut précédé à une offrande de fleurs aux bouddhas. Huit fillettes, costumées pour moitié en oiseaux et pour moitié en papillons, toutes pareillement gracieuses, portaient les oiseaux, des fleurs de cerisier dans des vases d’argent, les papillons, des corètes dans des vases d’or. Et ces bouquets de fleurs banales prenaient là une splendeur et un éclat incomparables. extrait Dit du Genji chapitre 24 « Les Papillons », Kochō
Image Dames de la Cour impériale exécutant la « danse du papillon ».
Oiseaux et papillons s’agitent avant l’envol – Nuages de fleurs Bashô (1644-1694)
La phalène est très jolie et charmante. Lorsqu’on approche la lampe tout près, pour lire quelques roman, qu’elle est gracieuse quand elle passe, en volant, devant le livre ! extrait Notes d’oreilles, Sei Shonagon Makura no sôshi[/su_quote]
Je me rêve papillon et j’embrasse tes lèvres pour goûter un nectar de ta fleur comme on piège la libellule sur une tige engluée je te tiendrai si tu cherches à m’échapper
ARTS DÉCORATIFS ET JAPONISME
[...] fleurs et bêtes se trouvent associées dans l'art comme dans la vie. La pivoine et le papillon, le rossignol et le prunier en fleurs, l'érable et le daim, le renard et les roseaux au pâle claire de lune d'automne, ces thèmes, et bien d'autres encore, sont peints et chantés indéfiniment, et les Japonais ne se lassent pas de se réjouir en leur compagnie adorable. extrait L'art, la vie et la nature au Japon de Masaharu Anesaki.
Lespremiers dessins d'insectes (libellules, araignées, papillons...) semblent avoir été faits par les Japonais, un siècle avant J .C., pour orner les poteries et les cloches des temples, technique en relief dénommée dôtakus.
Encore aujourd'hui, le papillon est présent dans les arts décoratifs (vases de porcelaine, l’art de la table…) et souvent en compagnie d’une pivoine « la rose du Japon ».
Les artisans d’art européen ont vu leur créations influencée par l’artisanat japonais vers 1875. A la différence de l’enthousiasme de la noblesse du XVIIIe siècle pour la Chine, le japonisme s’est répandu grâce à l’Exposition universelle de Paris de 1867 (article à (re)découvrir Kimono I Symbole du japonisme)
Théodore Deck* réalisa de grandes assiettes murales en grès, où des pivoines d’une beauté remarquable sont associées à des magnifiques papillons. Dans sa composition, Deck suit les exemples japonais, en établissant une construction asymétriques des feuillages et des fleurs, et en disposant les papillons dans les espaces vides. extrait Japonisme, WICHMANN Siegfried, Edité par Chêne/Hachette
* Céramiste français : L’œuvre de Théodore Deck (1823 -1891) est caractéristique d’un grand éclectisme. En effet, l’artiste fait cohabiter dans sa production plusieurs influences qui touchent les arts au XIXe siècle, en passant par l’historicisme que l’on retrouve dans les portraits de personnages historiques ou célèbres de ses plats, l’orientalisme, le japonise ou l’art chinois. source
Le mois de février célèbre son arbre, le prunier ume. Ses fleurs gracieuses au parfum suave annoncent le printemps pendant que celles de cerisier sommeillent encore.
Les fleurs de prunier sont à l’origine de la tradition o-hanami qui appelle à leur contemplation et les premières à avoir été louées dans les poèmes, les récits et les missives amoureuses. Puis, révérées par les plus grands artistes, elles ont illuminé les arts de leur éclat.
Que n’ai-je un pinceau Qui puisse peindre les fleurs du prunier Avec leur parfum ! Satomura Jôha (1525-1602)
Après vous avoir exposé l’origine de o-hanamiet la symbolique du prunier, je vous propose un voyage dans le temps : un aller-retour entre l’ère Heian et aujourd’hui.
J’aime la fleur du prunier, qu’elle soit foncée ou claire ; mais la plus jolie, c’est celle du prunier rouge. J’aime aussi un fin rameau fleuri de cerisier, avec ses corolles aux larges pétales, et ses feuilles rouge foncé.
L’observation des fleurs o-hanami a commencé avec le prunier umemi, coutume empruntée à la Chine des Tang à l’ère Nara (710-794). La célébration des fleurs de cerisier, devenues tardivement symboles emblématiques du Japon, s’est répandue à partir de l’époque Edo.
La beauté éphémère des fleurs suggère l’impermanence de l’existence, de la jeunesse qui se fane. Une douce mélancolie ressort de ce poème anonyme :
Les fleurs, elles s’épanouissent : – alors On les regarde : – alors Elles se fleurissent : – alors…
Les qualités et la symbolique que l’on confère à la fleur de prunier sont multiples : patience, optimisme, espoir, force, vitalité, bravoure, loyauté, élégance, noblesse, beauté, qualités morales, discrètes et délicates de la femme, de la mère qui enfante et élève son enfant.
LE PRUNIER A LA COUR DE HEIAN
Concours de poésie
La fleur de prunier est un thème récurrent dans le Man’yōshū, le plus ancien recueil de poèmes waka compilé au VIIIe, mais elle est détrônée par celle de cerisier à partir du Xe siècle.
La Cour, lieu d’épanouissement culturel, mène une vie oisive et futile, consacrée aux divertissements : concours de poésie, contemplation des fleurs o-hanami, calligraphie, amours courtois et libres, etc…
Ces aristocrates composent et s’affrontent dans d’exquis et courts poèmes. Le temps s’écoule, immobile, derrière les coursives, les vérandas et les pavillons. La nature est un jardin et ce jardin un paysage. On chante, en style précieux, l’amour, son goût de la lune et des fleurs. Les fleurs sont un spectacle. On va en cortège respirer la frêle exhalaison des pruniers, mais l’or et la soie des manteaux sont saturés des parfums de l’encens.La voie de l’encens Boudonnat Louise et Kushizaki Harumi, Esteban Paris Editions Picquier
Le prunier en fleur attend son maître dans le jardin Kikaku (1661-1707)
Les fleurs du prunier parfumées qui tombent glissent sur la branche mais transmettent à la manche leur fragrance. Extrait Le Dit de Genji de Murasaki Shikibu
Art de la séduction
Les missives amoureuses étaient nouées de manière particulière en fonction du sexe de la personne qui l’envoyait. Le parfum et la couleur du papier n’étaient pas choisis au hasard. Un code était à respecter : papier rose perle à la floraison des cerisiers, papier parme durant la floraison des glycines… et à chaque missive on nouait une branche ou une fleur de saison. L’étiquette amoureuse voulait que l’amant, peu après son départ matinal avant l’aurore, envoie à la dame de ses pensées une lettre et un poème pour confirmer ses sentiments et… sa culture littéraire. La règle exigeait que la dame fasse écho avec un poème waka. Un savoir-faire et savoir-vivre d’un raffinement extrême !
Le message, sous forme de poème, s’accompagnaient d’un végétal pour illustrer la nature et le changement de saison. Les règles d’usage comme pour les costumes et accessoires, étaient d’accorder le texture et la couleur du papier à la saison ou au sentiment exprimé avec la plus grande originalité. Les lettres étaient accrochées ou nouées à une fleur ou à un rameau fleuri. La configuration esthétique du message était aussi importante que celui-ci. Papiers japonais Françoise Paireau
Les beaux garçons dessaleurs de prunier et les saules pleureurs de belles femmes Bashô (1644-1694)
Art de l’encens
Les nobles dépensaient sans compter pour des bois précieux, ingrédients des pastilles d’encens neriko, qu’ils composaient en fonction de leur goût, leur imagination et sur base des recettes traditionnelles. Ils s’en servaient à parfumer les vêtements, les éventails et les lettres.
L’encens Baika a été inspiré par le parfum doux et entêtant de la fleur de prunier.
neriko : pastilles d’encens pétries, fabriquées à partir de poudre d’encens, de miel et de prune, laissées « mûrir » pendant 3 à 5 ans dans un pot.
Un parfum se dégageait de lui dont la suavité n’était pas de ce monde, qu’il répandait étrangement autour de lui à chacun de ses mouvements, et il semblait que la brise qui le portait au loin, devait être perceptible bien au-delà de cent pas. […] encore qu’il se gardât d’en imprégner ses vêtements, les odeurs les plus rares qu’ils conservaient dans leurs coffres de Chine, étaient surpassé par le parfum ineffable qui se dégageait de lui ; sous les arbres en fleurs de son jardin, bien des gens, mouillés par des gouttes de pluie printanière , s’étaient retrouvés pénétrés par le parfum d’un prunier que sa manche avait à peine effleurée […].
Les couleurs des fleurs Sont brouillées sous la neige, Tellement qu’on ne peut les voir : Mais leur parfum qu’on respire Révèle leurs présence. Poèmes du recueil Kokinshyû du VIIIe
Par cette nuit de printemps, Obscure et sans formes, Des fleurs de prunier La couleur est invisible ! Oui ! Mais leur parfum ! peut-il se dérober ? Poèmes du recueil Kokinshyû du VIIIe
Légende du « prunier volant » Tobiume
Sugawara no Michizane (845-903) poète et politicien de renom, victime d’un complot organisé par les Fujiwara, il tomba en disgrâce et fut contraint à l’exil à Kyushu. Il regretta tant de quitter son prunier favori qu’il lui composa un waka avant le départ :
Quand le vent d’Est souffle, fleurissez, fleurissez, fleurs de prunier ! Même si votre maître n’est plus là, n’oubliez pas le printemps !
La légende dit que celui-ci s’envola de Kyoto pour le rejoindre à Dazaifu, d’où son nom Tobiume « prunier volant ».
Après son décès, les familles des rivaux vécurent que des malheurs vus par l’Empereur comme une vengeance de l’esprit de Sugawara. Pour le consoler, il le consacra au rang de Dieu des études et des lettresTenjin et érigea un sanctuaire shinto en sa mémoire :Dazaifu Tenman-gū, préfécture de Fukuoka.
L’âme japonaise vénère les fleurs et l’apparition de certaines d’entre elles est l’occasion de fêtes populaires matsuri.
Lors des fêtes du 1er jour de l’an, des vases de porcelaines et de bronze sont ornés de branches de pin matsu, de bambous take et de pruniers ume. Ces trois compagnons des grands froids ont inspiré le motif de bonne augure des kimono dénomméshōchikubai, symbole du Nouvel An japonais.
L’An se lève, obscur ; La neige voile l’aurore. Ciel rend nous l’azur, Car le prunier vient d’éclore, Et son doux parfum t’implore ! poème extrait de Le Japon par Judith Gauthier
Le pin, le bambou et le prunier (shōchikubai) sont souvent utilisés ensemble dans l’art japonais : le pin, toujours vert, signifie la constance, le bambou, la flexibilité et la résistance, tandis que la fleur de prunier, la première à s’épanouir en hiver, est un signe de fertilité. source MNAAG Musée Guimet
Umemi est une invitation à contempler la floraison évanescente, sentir le parfum tenu des fleurs dans l’air doux et caressant et faire la fête sous les confettis de pétales emportées par la brise qui se déposent parterre formant un lit somptueux. Les festivals ont lieu entre mi-février et mi-mars dans des parcs publics, des sanctuaires et des temples à travers tout le pays.
Prunier en fleur Le souffle discret du vent pour ne pas les disperser Bashô (1644-1694)
Dans le parc, tout blanc, De Tchiyoda, quelle chose, Le premier de l’An, Souris dès l’aube morose ?… C’est la fleur du prunier rose. poème extrait de Le Japon par Judith Gauthier
Pendant umemi on célèbre autant la fleur que le fruit de cet arbre sacré. Prumus mumeproduit l’ingrédient principal de divers délices : umeboshi, prune salée et séchée utilisée pour les onigiri, kobai petit gâteau à base de pâte de haricots rouges azukiet de farine de blé cuite à la vapeur, umeshu alcool japonais à base de prunes marinées dans la liqueur, etc.
Le pin vit mille ans, Le petit liseron du matin une journée seulement, Mais tous deux jouent leur rôle. Poème zen anonyme
Les Japonais vivent avec la nature, charitable et impitoyable. Elle est la source éternelle de leurs aspirations et de leurs inspirations.
Chaque mois de l’année possède sa fleur ou son arbre favori. En janvier, on célèbre le pin matsu qui exprime sa beauté à travers ses déformations et ses courbes façonnées par la toute-puissante nature et parfois par l’homme.
Je vais vous révéler dans cet article, sa place dans les croyances et dans quelques domaines de l’art car le sujet est vaste.
L’archipel nippon est un pays de forêts imprégnées de profonde spiritualité et de surnaturel. Dans la croyance shinto, les arbres sont habités par les esprits de la nature déifiés, dénommés kami. Bois, plantes, pierre… tous ont une âme. Dans cette estampe, Katsushika Hokusai (1760-1849) sépare par une barrière de pin, le monde des humains de celui des dieux.
@ Hokusai Katsushika Le mont Fuji vu à travers les pins de Hodogaya sur la route du Tôkaidô (Tôkaidô Hodogaya). Les « Trente-six vues du mont Fuji » (Fugaku sanjû-rokkei), 36e vue
La brise fraîche emplit le vide ciel de la rumeur du pin Onitsura
Bouddhisme zen
De son côté, le bouddhisme zen invite l’homme à se connecter à son monde intérieur.
En art, une grande importance est accordée à l’espace vide, métaphore du silence nécessaire à l’apparition de la vision intérieure. Car la nature du Bouddha ne peut se manifester, ni l’état d’éveil spirituel être atteint, si l’espace intérieur du sujet se trouve encombré et si son esprit fourmille de pensées. En peinture, le vide et la brume renvoient souvent à cet état d’ouverture, d’écoute intérieure, manifestation de la nature de Bouddha, de l’éveil. Des caractéristiques que l’on relève dans certaines peintures, par exemple dans Bois de pins de Hasegawa Tôhaku (1539-1610). extraitStyle Japon de Calza Gian Carl édition Phaidon
L’un de mes coup de foudre est ce chef-d’œuvre de la peinture monochrome à l’encre noire sur deux paravents byōbu-e, qui représente un bois de pins dans le brouillard.
Un pin ne me semble véritablement pin qu’enveloppé de brumes ou de nuages.[…] Le fond brumeux, traversé par une pâle lumière hivernale, entraîne le spectateur dans les profondeurs de la forêt, peut-être en direction du sommet enneigé visible sur la droite, ou dans les méandres d’invisibles sentiers entre les arbres. extraitPetit éloge des brumes de Corinne Atlan
Us et coutumes
Les branches et les aiguilles de pin symbolisent la joie, une longue vie ou l’éternité.
Vent dans les pins – Des aiguilles de pin tombant sur l’eau le son agréable Matsuo Bashô (1644-1694)
Associé au bambou take, symbole de pureté, de noblesse, de force et de souplesse, le pin évoque le Nouvel An. La coutume veut que l’on dépose de part et d’autre d’une porte d’entrée de mi-décembre au mi-janvier un kadomatsu littéralement «pin du seuil » pour accueillir le dieu shinto du nouvel an, Toshi-gami, afin de protéger le foyer. Par contre, dans le quartier des geisha à Kyoto, dénommé Gion, le kadomatsu se limite à un pin avec ses racines et symbolise la croissance éternelle.
A la fin, cette offrande est brûlée avec les autres décorations du Nouvel An au temple shintô et la fumée qui s’en échappe permet au kami de l’an de repartir.
Le pin est indissociable du jardin japonais qui est toujours ingénieusement composé. Tailler et façonner le pin pour lui donner une forme précise et gracieuse, cela exige un savoir-faire millénaire. Un jeune surgeon peut être coupé et ligoté à l’aide de fils de fer et de ficelle durant des années jusqu’à ce qu’il atteint l’aspect désiré par le jardinier.
Le pin de Sumiyoshi et en arrière-plan le pavillon Shōkintei. Villa de Katsura, Kyōto, XVIIe siècle
Lors de mon1er voyage en 2012, j’ai visité la sublime Villa impériale Katsuraprès de Kyoto. redécouverte par l’architecte allemand Bruno Taut en 1933 qui disait : « A Katsura, les yeux pensent ! ».
Suite à cela, cet ermitage princier a influencé d’autres pionniers de l’architecture : Walter Gropius, Wies ven der Rohe, Le Corbusier, Franck Lloyd Whright.
Mon regard s’est porté sur le pin solitaire de Sumiyoshi. Autrefois, à sa gauche, il y avait le pin Takasago cités dans la préface de l’Anthologie de la poésie ancienne et moderneKokin Wakashû. (lire plus bas Théâtre Nô)
Deux autres pins révérés par les artistes dans les estampes, sont la preuve vivante de cet art : Tsuki no Matsu et Yogo no Matsu.
L’actuel Parc d’Ueno se trouve sur une terre qui appartenait autrefois au Temple Kanei-ji, le temple familial des shoguns (chefs militaires du Japon jusqu’au milieu du 19e siècle). Dans un des coins du parc se dressait le Tsuki no Matsu (Pin de la Lune), surplombant l’Étang Shinobazu-no-ike. Ses élégantes branches circulaires étaient l’œuvre d’horticulteurs. Les gens raffinés croyaient y distinguer une pleine lune, s’imaginant en train d’admirer le superbe astre illuminer la nuit. sourceNiponica 22
Yogo no Matsu du temple Zenyo-ji à Tokyo est un pin noir du Japon vieux de plus de 600 ans. Avec ses 8 m de haut et ses branches s’étendant sur 31 m d’est en ouest et sur 28 m du nord au sud, ce magnifique arbre exhale une grâce divine qui convient parfaitement à son nom Yogo, qui signifie « la révélation des divinités et du Bouddha » sourceNiponica 32
A l’art du jardin se rajoute le bonsaido, l’art des bonzaïs qui réunit ciel et terre dans un pot.
Architecture et routes
L’architecture traditionnelle est fondée sur l’amour du bois, elle encense la force et la splendeur de la nature.
Les matériaux d’ameublement et de construction, comme l’ossature d’une maison, sont confiés à divers espèces de pin :
Akamatsu I Pinus densiflora I Pin rouge
Kuromatsu I Pinus Thunberghii I Pin noir
A l’époque d’Edo, les routes furent en général balisées à chaque ri(1 ri = 3.9 km) au moyen d’un pin matsu. On y trouve encore des pins solitaires ippon matsuqui rappellent l’emplacement de ces étapes importantes ichirizuka.
Des pins sur chaque île – le bruit du vent est frais Shiki
Poésie et sites célèbres I Meisho
Plusieurs fameux poètes, dont Saigyō (1118-1190), « passionnés de meisho », récoltaient pendant leurs pérégrinations de précieux souvenirs : aiguilles de pin, grenouille séchée, coquillage….
Même ici le cœur s’ennuie de nouveau le désir de s’envoler et ce pin restera seul vraiment seul sans ami chap X vers le pays Sanuki 11, Vers le vide de Saigyô
À l’époque d’Edo, le lettré confucianiste Shunsai Hayashi, né Gahō Hyashi (1618-1680), a nommé les trois plus beaux paysages du Japon, les Nihon Sankei : Amanohashidate, la baie de Matsushima et l’île de Miyajima.
Leur point commun ? Des pins murmurants au bord de rivages sableux.
Amanohashidate, littéralement « passerelle céleste » dans la préfecture de Kyoto, une langue de sable plantée de plus de 6000 pins dont certains atteignent une hauteur de 40 m. Je me suis rendue lors du 2ème voyage en 2013.
Est-ce pour admirer pins et cyprès ? La brise parfumée souffle bruyamment Matsuo Bashô (1644-1694)
La baie de Matsushima, au nord de Kyoto, parsemée d’environ 260 îlots couverts de pins maritimes. Célébrée dans un haïku par le poète Basho (1644-1694) qui, resté sans mots face à un tel paysage, il a usé de la répétition pour exprimer sa beauté captivante.
Depuis, d’autres paysages ont gagné en reconnaissance comme Miho-no-Matsubara. Une plage impressionnante, longue de 7 km et couverte de plus de trente mille pins a été inscrite au patrimoine culturel mondial en tant qu’élément du mont Fuji en juin 2013.
L’ukiyoe de Hiroshige Utagawa(1797-1858) et des poèmes waka témoignent de sa beauté.
Serais-je le seul À leur demander abri ? Non, les blanches vagues Elles aussi, les harcèlent Les sveltes pins du rivage poème de Tsurayuki-shū
Ce lieu est connu aussi pour l’ancien conte Hagoromo-no-Matsu « La robe de plume » qui donna lieu à une célèbre pièce de Nô, Hagoromo.
Une divinité céleste, descendue sur une plage pour se baigner, abandonne sa robe de plumes sur le sable. Un pêcheur s’aperçoit et, désirant la jeune beauté, cache sa robe. Elle n’a plus alors d’autres ressources que de devenir l’épouse du pêcheur. Après lui avoir donné des enfants, elle prie son mari de lui rendre la robe de plumes. Celui-ci ayant cédé à son désir, elle retrouve sa nature divine, et avant de regagner son domaine céleste, danse pour remercier le pêcheur.[Bibl. -ar René Sieffert, In Nô et Kyôgen, Paris 1979] Le Japon Dictionnaire et civilisation Louis Frédéric Collection Bouquins
Théâtre Nô
Parlant du théâtre Nô, le seul décor est la peinture d’un pin sur le paroi arrière de la scène.
Takasago, titre d’une célèbre pièce de théâtre de Nô : un vieux couple révèle à un religieux bouddhiste qu’ils sont les esprits de deux pins vénérables sur la plage de Takasago. Cette pièce, parfois intitulée Aioi no Matsu (Les pins d’une vie partagée) écrite par Zeami d’après un poème de KIi no Tsurayuki apparaissent dans sa préface au Kokin waka-shû, traite de la fidélité de dieux vieillards ayant vécu ensemble toute leur vie. (Bibl : René Sieffert, Nô et Kyôgen, Pubu. orient de France, Paris 1979) Le Japon Dictionnaire et civilisation Louis Frédéric Collection Bouquins
Le pin de Takasago est un symbole d’extrême longévité.
Je n’ai guère envie de m’entendre dire : comment, toujours en vie ? ce que pourrait penser le pin de Takasago me remplit de confusion poème Kokin waka rokujō (no 3057)
Art du tissage
Les tissus de kimono comportent des motifs représentant les fleurs de saison et leurs couleurs ou des motifs de bon augure et significations magiques. Le pin matsu symbolise la longévité, puis l’hiver, lorsqu’il est associé à la neige ou à deux autres compagnons des grands froids : le bambou take et le prunier ume.
Céramique
Les ouvrages en céramique tôgei, considérés comme le sommet de l’énergie créatrice artistique, ont les couleurs qui s’harmonisent avec celles de la nature et des saisons.
À Suminoe Plus le vent d’automne Souffle sur les pins Plus les vagues blanches au large Y ajoutent leur fracas Ōshikōchi no Mitsune, Kokin shū, « Célébrations », poème no 360
A la différence de l’enthousiasme de la noblesse du XVIIIe siècle pour la Chine, le japonisme s’est répandu grâce à l’Exposition universelle de Paris en 1867.
Dès les XVIIe et XVIII siècles, la manufacture de Lyon s’inspira des motifs de l’ornementation japonaise pour créer ceux des soieries ; tandis qu’à Chantilly et à Saint Saint-Cloud, l’on copiait les porcelaines de Kakiemon et les Nabeshima. Enfin, les meubles de laques étaient appréciés de Madame de Pompadour et de Marie-Antoinette, qui en firent collection. Mais, ces phénomènes étaient plutôt les dernières manifestations de la mode des chinoiseries. extrait Japon, la vie des formes Shuichi Kato Bibliothèque Des Arts
Le public fut fasciné par le pavillon japonais et la découverte du kimono porté par les premières femmes japonaises venues en Europe et accueillies avec une curiosité extrême.
On peut affirmer que le kimono est le symbole national du Japon et conjointement du japonisme en Europe qui gagna par la suite l’Occident. Nous allons découvrir pourquoi il a été une source d’inspiration autant pour les peintres que pour les créateurs de mode et les écrivains.
PEINTURE
A Londres, la première exposition d’art appliqué japonais de 1854 et l’Exposition universelle de 1862 ont été le détonateur de l’intérêt des artistes pour le Japon, mais le terme japonisme né en 1867 avec l’Exposition Universelle de Paris.
Hayashi Tadamasa (1853-1906), interprète durant l’exposition universelle, puis traducteur de documents sur l’art japonais et marchand, a joué un rôle fondamental dans l’histoire du japonisme durant son séjour à Paris de 1878 à 1893, et à la fois en tant qu’ami des peintres (Claude Monet, Camille Pissaro, Paul Renouard), des intellectuels et des hommes de lettres (Edmond de Goncourt, Émile Guimet, Félix Régamey).
Puis, Louise Mélina Desoye (1836-1909) a été l’unique femme qui a contribué à la première vague du japonisme en vendant dans sa boutique des produits importés du Japon. Ce lieu a été fréquenté par les peintres de la vague « japonisante » dont le précurseur anglais James Whistler : installé à Paris dès 1855, ses œuvres ont diffusé l’impressionnisme en Angleterre et aux États-Unis.
Toujours à Paris, Samuel Bing(1838-1905) marchand et critique d’art, collectionneur et mécène français d’origine allemande) avait acquis des milliers d’estampes japonaises qu’il a reproduites de 1888 à 1891 dans sa revue mensuelle Le Japon artistique. Documents d’art et d’industrie publiée simultanément en français, anglais et allemand. En 1890, il a enfiévré le monde avec l’exposition de 725 peintures et 428 livres illustrés japonais à l’École des Beaux-Arts de Paris.
A partir du mois de juillet 1893, la revue littéraire et artistique LaRevue Blanche, publie en couverture une estampe en noir et blanc d’un peintre de la mouvance symboliste : Bonnard, Vouillard, Roussel, Manet, Monet, Pissaro, Renoir…
Certains artistes qui collectionnaient des estampes ont fini par changer la technique et la forme de leur art, comme Henri Toulouse-Lautrec et Vincent Van Gogh. Ce dernier, écrivait du Sud de la France à son frère « Ma vie devient ici de plus en plus celle d’un peintre japonais ». (cf. article 8/2021 Iris, le radieux). A sa mort en 1890, son médecin a trouvé un carton de quatorze estampes près de son lit.
Parallèlement, les contrastes des couleurs des kimono ont également influencé la palette des artistes.
[…] dès 1890, l’Art Nouveau s’inspira des lignes souples et des motifs floraux des tissus japonais, des poncifs de papier, ainsi que des estampes de couleur. extrait Japon, la vie des formesShuichi Kato Bibliothèque Des Arts
L’estampe, perçue en Europe comme une nouvelle forme d’expression artistique, a connu un immense succès, nombreux peintres y ont puisé leur inspiration :
en Angleterre : Aubrey Beardsley ;
en France : Jacques-Joseph (James) Tissot, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Gustave Moreau, Henri Toulouse-Lautrec et Vincent Van Gogh ;
Malgré la fascination exercée par le Japon sur ces artistes, aucun n’a fait le voyage pour le découvrir ou confronter leurs idées à celles des artistes japonais !
A l’inverse, des artistes japonais se sont rendus à Paris – devenu centre artistique de l’Europe grâce aux impressionnistes – pour apprendre les nouvelles techniques de la peinture et fini par peindre « à l’occidentale » : Kuroda Seiki, Saeki Yûzô, Aoki Shigeru, Kihida Ryûsei, Fujita Tsuguji qui s’est fait naturaliser français…
Les soieries japonaises ont envouté les artistes, mais également les femmes qui les arrachaient des mains des marchands.
Leur charme tout particulier provient de leurs motifs fantastiques, aux mille couleurs, dans lesquels jouent et s’entremêlent merveilleusement des rameaux en fleurs, de fines pousses de roseau, des oiseaux en vol et d’étonnantes formations de nuages. La magie multicolore de ces étoffes, absolument délicieuses et incomparables, provient surtout du fait que la signification propre du motif décoratif – comme il est de règle pour un motif – s’efface dans l’effet d’ensemble de la pièce. Il y a là des juxtapositions de couleurs d’un effet si inhabituel, d’un attrait si vif que l’on comprend bien la frénésie avec laquelle les mains de nos élégantes se tendent vers ces exquises pièces de tissu. (propos de Lessing Julius, historien de l’art allemand, extrait Japonisme WICHMANN Siegfried Edité par Chêne/Hachette
Entre 1860 et 1920, l’attitude et les gestes de la parisienne ont été influencés par le kimono.
Quand les cultures tribales ont choisi le tatouage et la peinture du corps comme vêtement incarné, l’Occident a choisi le vêtement comme peau sociale, les deux muant le corps brut en corps culturel » note Thomas Lentes dans Qu’est-ce que la mode ? Cette notion de « peau sociale » semble s’appliquer parfaitement au vêtement traditionnel japonais, soumis au contraintes de la hiérarchie sociale tout en étant une représentation extrêmement brillante d’une partie du « corps culturel » nippon. En effet, le kimono n’est pas seulement manifestation d’une appartenance sociale et parure, il est aussi philosophie, esthétique, poésie, il est art : un art portable. extrait Kimono d’art et de désir Aude Fieschi Editions Picquier
Issey Miyake écrivait dans le livre Kimono de Sylvie et Dominique Buisson que plusieurs créateurs de mode occidentaux ont subi l’influence orientale tandis que ceux japonais sont partis de la mode occidentale pour obtenir leur originalité.
Frederick Worth (1825-1895), couturier français d’origine britannique et l’un des fondateur de la haute couture à Paris, s’est inspiré des tissus japonais et du kimono pour la création de ses robes.
Par la suite, le célèbre Paul Poiret (1879-1944) créa en 1910 un manteau kimono et des robes.
Frederick Worth
Paul Poiret
LITTÉRATURE
L’influence du Japon s’est déployée non seulement dans les arts plastiques mais aussi en littérature, d’où le terme dejaponismelittéraire.
Les écrivains ont pressenti très tôt la fascination que présentait le Japon. De la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, certains écrivains composaient dans le « goût japonais » par exemple Judith Gautier, autrice de plusieurs romans et nouvelles inspirés par l’histoire japonaise et Pierre Loti avec Madame Chrysanthème.
L’idéal féminin que donnent les livres de Pierre Loti est le personnage de Madame Chrysanthème Okiku-san qui enchantait Van Gogh, culmina finalement dans le doucereux plagiat de Madame Butterfly et apparaît comme une métaphores romantique de la réalité. Auguste Rodin lui-même, fut captivé par la danseuse Hanako. extrait Japon, la vie des formes Shuichi Kato Bibliothèque Des Arts
L’influence de la culture japonaise sur l’art occidental du début du XXe siècle est indéniable et se manifeste d’innombrables manières. Les aspects les plus variés ont ainsi vu le jour : compositions asymétriques, nouveaux thèmes inspirés de la nature ou de la société, respect du vide, c’est-à-dire « amour du vide » qui vient remplacer l' »horror vacui », et beauté des lignes, entre autres. extrait Ryokan, Gabriele Fahr-Becker édition Könemann
Étroitement liés à la vie quotidienne, tous les supports artistiques japonais impliquent un mouvement dans l’espace et un rythme dans le temps. La peinture se roule et se déroule, le paravent se déplie, le kimono n’a d’existence que porté, les laques sont toujours utilitaires. Les Japonais aiment ainsi à se définir à travers des objets idéals, des fictions codées qui transforment le réel en quelque chose de sacré, et à transformer les gestes en rituels. extrait Le corps japonais de Dominique Buisson
Pour faire écho, je rajouterais l’éventail et l’ombrelle kasa à qui je dédie ce dernier article en tant qu’accessoire du kimono.
Après une brève présentation de ses origines, j’aborde son mode de fabrication et les modèles selon leur usage, ainsi que sa place dans la croyance populaire.
ORIGINE
Les premières ombrelles rigides auraient été découvertes parmi les tributs envoyés par le roi de Kudara, une ancienne province coréenne, à l’empereur Kimma(539-571).
Avant cela, les femmes portaient des chapeaux larges et plats, en fibres végétales tressées (bambou ou cyprès).
@ BNF, L’aubergine, Harunobu Suzuki (1725-1770)
Quittons-nous – Je porte des vêtements d’été et kasa à la main Bashô (1644-1694)
Ici, un aperçu en images de divers modèles de chapeaux pour femmes et hommes dont les paysans et les moines pèlerins.
Durant Edo (1603-1868), afin de pouvoir voyager plus aisément à pied, les artisans ont inventé divers objets pliants et légers à base de bambou et de papier : l’ombrelle et la lanterne.
Sévère
le bruit de la grêle
sur mon kasa en cèdre ! Bashô (1644-1694)
FABRICATION
La monture des kasa est faite de bambous fendus et sur le réseau flexible des branches on tend du papierwashihuilé imperméable, décoré ou pas de peinture ou logo. Les kasa pour femmes sont plus grands que ceux des hommes et comptent 40 baleines au lieu de 50.
Les kasa sont souvent représentées dans les estampes ukiyo-e « images du monde flottant » puis dans les premiers photographies.
LES TYPES DE KASA
La forme du kasa traditionnel est immuable, par contre, il change de nom selon sa conception et son utilisation.
higasa ombrelle qui protège du soleil éviter que la peau ne se hâle
amagasa contre la pluie
Nous logeâmes dans une hutte au pied de la montagne. Il feraient une nuit noire et sans lune, et je me sentis engloutie et perdue dans l’obscurité, lorsque trois chanteuses apparurent, venant on ne sait d’où. […] Nous les déposâmes devant notre logement, à l’abri d’un grand karakasa. Mon domestique alluma un feu afin que nous puissions les voir. extrait Sarashina nikki de Sugawara no Takasue no Musume
bankasa comporte le kamon symbole de la « maison » ou le nom de l’établissement (ryokan, hôtels…) tenue à la disposition des clients
jya no me gasa littéralement parapluie « œil de serpent » car le dessin en cercle y ressemble
Les artisans de Kyoto excellent dans la fabrication des ombrelles et ont rapidement adapté leur technique traditionnelle aux goût modernes.
Les ombrelles de type occidental sont appelés kômorigasa littéralement « parapluie en forme de chauve-souris ».
A l’ère Meiji (1852-1912), le prix des premières ombrelles occidentales était exorbitant, synonymes de luxe et de raffinement.
Elles étaient fabriquées à partir de matériaux tels que le coton et le lin, avec des pampilles en soie sur la poignée et la pointe pour souligner leur élégance. source web-japan
CROYANCE POPULAIRE
Dans le folklore, le kasa-obake littéralement « esprit-ombrelle » est un monstre yōkai de la famille tsukumogami composée d’objets du quotidien qui peuvent prendre vie après 100 ans d’existence. Il a la forme d’une ombrelle traditionnelle pourvue d’un œil, d’une langue, de deux bras et d’une seule jambe. Il n’est pas redoutable, mais tout simplement… dégoutant. Pour en savoir plus, cliquez ici
D’autre part, les papillons qui voltigent 
Une divinité céleste, descendue sur une plage pour se baigner, abandonne sa robe de plumes sur le sable. Un pêcheur s’aperçoit et, désirant la jeune beauté, cache sa robe. Elle n’a plus alors d’autres ressources que de devenir l’épouse du pêcheur. Après lui avoir donné des enfants, elle prie son mari de lui rendre la robe de plumes. Celui-ci ayant cédé à son désir, elle retrouve sa nature divine, et avant de regagner son domaine céleste, danse pour remercier le pêcheur.[Bibl. -ar René Sieffert, In Nô et Kyôgen, Paris 1979] 
Les ouvrages en céramique 
